1.1 La música del siglo XX
Puede hablarse de un auténtico "estallido" de la música en el siglo XX. Los principios más sólidos son los desconocidos, las audacias más extravagantes son intentadas y las escuelas más diversas conviven sin problemas. La música culta o elaborada se intelectualiza y se hace elitista; al mismo tiempo que los grandes medios de difusión alcanzan a todos los públicos, los compositores se alejan de éstos y se refugian en ámbitos creativos cerrados.
La ruptura de la tradición tonal ha abierto a la música caminos insólitos e insospechados. Se encuentran en el siglo XX los últimos brotes del romanticismo como Mahler y Richard Strauss. La preocupación por reflejar la realidad provoca el movimiento verista en la ópera italiana que produce un único compositor, Puccini.
La llamada escuela de Viena rompe con toda la tradición anterior y crea el dodecafonismo, música en doce sonidos básicos, y la música atonal. Este camino, es seguido luego por casi todos los compositores contemporáneos, como por ejemplo Stravinski.
En este siglo de grandes experimentos musicales, mientras en Gran Bretaña se escriben óperas tonales, Stockhausen experimenta con música electrónica y Oliver Messiaen busca inspiración en la música oriental.
1.2 Música clásica.
El clasicismo se caracterizó por un equilibrio entre la forma y el contenido de la música. Las ideas de la Ilustración, con su confianza en la razón humana, llevaron a los artistas a tener en cuenta al público general, en lugar de solo pensar en un grupo selecto de expertos. Cualquier persona podía entender y disfrutar la música, por lo que aspiraban a llegar a nuevos grupos de personas que antes no escuchaban sus obras.
El término clásico se aplicó a la música de Haydn y Mozart incluso antes de que acabara el siglo XVIII. Poco después de la muerte de Mozart, en 1791, su primer biógrafo observó que sus obras podían escucharse una y otra vez sin que llegaran a cansar: se acercaban a la perfección. Se reconocía ya que las obras del genio austriaco serían objeto de un estudio continuado, al igual que las obras maestras del arte clásico griego y romano.
1.3 La música occidental en la antigüedad.
La música europea más antigua que se conoce es la de los griegos y los romanos entre el año 500 a.C. y el 300 d.C. Fueron grandes escritores y filósofos de la época, como Aristóteles o Pitágoras, los que hablaron de la relación entre la música y las personas.
1.4 Ideas sobre la mùsica.
Según estos pueblos, la música fue creada por dioses mitológicos como Apolo u Orfeo, y era un arte que tenía una importancia enorme para el equilibrio del universo. Además, pensaban que la música influía en los pensamientos y las acciones de los hombres, cosa que, hasta cierto punto, se ha demostrado cierta.
¿Acaso no hay música que nos relaja y otra que, por ejemplo, nos da energía?
1.5 CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA GRIEGA ANTIGUA.
La música griega era monódica, lo que quiere decir que solo sonaba una melodía a la vez. La voz era el instrumento más utilizado.
Los llamados modos eran las distintas formas que usaban para componer las melodías y los ritmos. Cada modo tenía unas características distintas, y los griegos pensaban que, dependiendo de cual usaran, se causaba una emoción diferente en el oyente (alegría, tristeza, etc.)
El instrumento musical que más se utilizaba para acompañar los cantos era la lira, un instrumento de cuerda pulsada parecido a un arpa pequeña. Al dios Orfeo, excelente músico, siempre se le representaba tocando este instrumento.
1.6 Las notas musicales.
La música se crea a partir de la combinación de distintos sonidos, que pueden ser más graves o más agudos. Para poder representar estos sonidos existen las notas musicales.
Las notas son símbolos y palabras que representan todos los sonidos de los que se compone la música. Puede resultar algo complicado de entender en principio, pero es un sistema bastante claro para interpretar, leer y escribir piezas musicales.
Las notas musicales representan la altura de los sonidos, es decir, si son más graves o más agudos. A cada sonido le corresponde una palabra.
Las notas están directamente relacionadas con el pentagrama, que es el conjunto de las cinco líneas horizontales en donde se escribe la música. Igual que hay cuadernos cuadriculados o con hojas en blanco para anotar o dibujar, existen cuadernos con papel pautado, que es como se llaman los folios que tienen pentagramas para escribir música.
La altura de las notas se representa verticalmente en el pentagrama. Dependiendo de la línea o del espacio en donde se coloque cada uno de los símbolos, éste sonará más agudo o más grave. Cuanto más arriba se escriba la nota, más aguda sonará, y viceversa.
Existen siete notas musicales. Sus nombres, de más grave a más aguda, son los siguientes:
Do, re, mi, fa, sol, la, si
Después del si se coloca otra vez el do, y vuelta a empezar...
A cada grupo de siete notas seguidas, como estas, se le llama escala; la distancia que hay entre dos notas se conoce como intervalo.
También hay símbolos que representan la duración de las notas que nos encontramos escritas en los pentagramas. Estos símbolos se llaman figuras, y se representan con un palito que sale de cada nota. Dependiendo de su forma, la nota sobre la que están durará más o menos.
De mayor a menor duración, las figuras que podemos encontrar son:
Redondas (no tienen palito), blancas, negras, corcheas, semicorcheas, fusas y semifusas.
Cada una de ellas dura, exactamente, la mitad que la anterior (por ejemplo, una corchea dura la mitad de una negra, y dos negras duran lo mismo que una blanca).
También existen símbolos para representar los silencios que tiene la música. Por ejemplo, si queremos que en un determinado lugar no suene una blanca, no es suficiente con no escribir nada, sino que hay que poner el símbolo que representa el silencio de blanca, y que tiene la misma duración que esta.
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